PERFORMANCE BY FRANK COPELLO IN THE EIGHTIES

Francisco Copello

26 FEB - 11 ABR 2019
INAUGURACIÓN: MARTES 26 FEBRERO 19:30 H

Die Ecke Art Contemporani en Barcelona tiene el placer de presentar PERFORMANCE BY FRANK COPELLO IN THE EIGHTIES, portafolio con 6 obras realizado por Francisco Copello para difundir su trabajo en el año 1989 en Nueva York y que posteriormente fue reeditado por el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile y el FONDART de manera póstuma en el año 2007.

FRANCISCO COPELLO NORERO, 1938-2006, Santiago, Chile, desarrolla su carrera artística principalmente en Italia y Estados Unidos donde vive indistintamente durante mas de 30 años, regresando a vivir a Chile a mediados de la década de los 90.

Es considerado un precursor del body art para Chile debido a que su obra se caracteriza por el uso del lenguaje corporal, acuñando él mismo la frase Mi Arte es Mi Cuerpo, y que junto a ello atraviesa toda su producción artística en distintos formatos como lo fue en la performance, happening, mimo, grabado, collage, y pintura. El gran argumento y guión de su trabajo es su propia vida. En varios periodos de creación
resalta su experiencia estética con importantes maestros del arte contemporáneo que lo distinguen como un testigo clave de la historia del arte, vista desde el extranjero y desde el margen.

Estudió en la Academia de Bellas Artes de Florencia, Italia entre 1962 y 1966, y en Pratt Graphics Center de Nueva York durante 1967. Fue becado por el Fellowship de New York Council of the Arts en 1971. Durante la década del 70 realiza sus primeras incursiones en el campo de la danza y se forma en Nueva York con la coreógrafa Laura Dean, participando en las primeras piezas teatrales de Robert Wilson.

Tras estas experiencias, inicia un trabajo artístico en Italia basado en el cuerpo, que destaca por sus intervenciones en la escena de Milán, específicamente en el circuito del arte corporal que se desarrolla en la Galleria Diagramma (1975-1978); en Génova en la Escuela de Danza de Patrizia Carratu, el teatro Dell'Opera y en el Centro Cultural Campetto 7 hasta 1984.

En su permanencia en Europa por 10 años sus actuaciones fueron registradas por un grupo de connotados fotógrafos como Guiseppe Pino, Giovanna del Magro, Maurizio Buscarino y Giuliana Traverso. Entre 1986 y 1995 reside en Nueva York donde se desarrolla como maestro impresor y continúa indagando en las posibilidades plásticas de la performance. Como Master Print efectúa impresiones en aguatinta para
Sandro Chia, Adolph Gottlieb, Keith Haring, Rainer Fetting, Wifredo Lam, Mark Kostabi, Stanley Boxer, Paul Jenkins y Rachel Friedberg, entre otros. En tanto que como performance, forma parte del American Mime Theatre, simbolizando obras del repertorio de la compañía en diversos teatros como Bruno Walter Auditorium en Lincoln Center y The New School, entre otros, dirigido por Paul Curtis.

A su retorno a Chile recibe el Premio de la Crítica de Arte 1997 por las exposiciones que realiza en el Museo de Arte Contemporáneo y en la Corporación Cultural de Las Condes. En 1996 se desempeña como docente de body art y expresión corporal en la Universidad de Chile y exhibe las performances Vogue, Misa Negra, Razones de Familia, Warhola, y El Viaje. En 1999 realiza la exposición Antológica de Grabados,
Fotografías, Instalaciones, Collages y Videos, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile, dando un testimonio contundente e histórico sobre su experiencia estética.

Entre sus últimas figuraciones destaca el lanzamiento del ensayo Fotografía de Performance. Análisis autobiográfico de mis performances que publica Ocho Libros Editores. En 2002 el video artista Claudio Rojas muestra el documental Chilean boy donde narra la carrera del artista. En 2003 tiene lugar la retrospectiva de su obra en la Pinacoteca de la Universidad de Concepción, Chile, titulada Ejercicios sobre
la memoria y performance y en 2005 participa en la colectiva Estelar del Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile. En el año 2006 y antes de fallecer dejó organizada la exposición Lo mejor de Copello, que reúne sus últimas creaciones y que se presentó en la Sala de Santiago de la Universidad de Talca, Chile.

La obra de Francisco Copello, pionero del body art latinoamericano, es aún desconocida y permanece a la espera de ser contextualizada en la historia del arte.

Esta presentación puede ser visitada en Montmany 27, local 08012, de lunes a jueves entre las 17:00 y 20:00 hrs.

Ficha Técnica

PERFORMANCE BY FRANK COPELLO IN THE EIGHTIES
6 obras grabadas originalmente en cintas UMATIC.
42:47 minutos.
Nueva York, 1989.

El Cóndor Pasa
Lugar y año no identificado.


Tableaux D’Une Exposition
Centro Internacional de Comunicaciones de Amberes, Bélgica, 1980.

Figure D’Acqua
Performance en vivo, San Remo, Italia, 1983.


The Flag
Stills de performance sobre Chile.
Fotografías: Guiseppe Pino, Giovanna del Magro, Maurizio Buscarino y Giuliana Traverso, Italia, 1975 a
1981.

Variazioni
Película de Bruno Rollero, RAI, Génova, Italia, 1984.


Lana
Guion: Patrizia Mónaco
Cámara: Jeff Wickland
Bailarina: Muna Tseng
Actor: Manolo Pérez
Dirigido y producido por Francisco Copello en Nueva York, 1985.

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Tableaux D’Une Exposition
Centro Internacional de Comunicaciones de Amberes, Bélgica, 1980.

Pantomima musical inspirada en Mussorgsky y aplicada a los mimos: una serie de acciones y la música transcrita a la banda musical electrónica de Isao Tomita. Dirección y coreografía de Francisco Copello, con la participación de Patrizia Carratú y el grupo de Expresión Corporal de Sampierdarena.

Estrenada en la Sala Polivalente de la Galleria d'Arte Moderna de Ferrara, marzo, 1981.
S. Jacopo Soprano, Florencia, primavera 1981. Pieve Ligure, Génova (A conclusión de curso estivo de pantomima auspiciado por el Comune de Pieve y el Ente Per il Decentramiento Culturale de Génova) julioagosto, 1981. Castello di Lord Byron, S. Terenzio, La Spezia, verano, 1981. SICOE Sección Cultural, Fiera de Milán, otoño, 1981. Público asistente, 5.000 personas. (Fotografía de Performance, pág. 178).

"Como tantos golpes de flash, son los Cuadros de una Exposición imaginados por F.Copello, un mimo que semeja una marioneta irreal. Al inicio un gnomo camina malamente sobre sus piernas curvas, después un trovador canta delante de un castillo medieval. Más tarde se apagan las luces y aparecen en escena un grupo de niñas acompañadas por sus nodrizas, quienes pelean después de haber jugado a lo largo de un viaducto. Copello explica que su autor (Mussorgsky) quería representarse a sí mismo, mientras transita por las salas de una exposición, a ratos lentamente o en forma expedita, mientras los cuadros se van transformando en representaciones vivas.” Diario La República, Sección Arte Marzo 1981.

El periodista Ugo Pace escribe un artículo en el Paese Sera de Roma al respecto: “El Mimo, de excepcional calidad profesional, conoce exactamente la pose que debe asumir, su constante preparación le permiten, mediante el sabio dominio de su cuerpo, transformarlo en un cuadro-foto.” (extracto
citado por Copello en el Viaje del Angel, pág. 43).

El crítico de la revista Panorama, Luiggi Carlucci describe:”...el ojo de Giuliana Traverso sigue fascinado o más bien hipnotizado, cada instante del movimiento tenso, ambiguo y fugaz; el barroco acumularse de guiñapos; las viscosas pulsaciones de “serpiente emplumado”, sobre un fondo negro que exalta la plasticidad dramática de los gestos, la tensión de la máscara facial, materia que recuerda santos y demonios hechos de
cartón piedra”. Viaje del Angel, pág. 43).

Antecedentes:

“A la versión electrónica de la música de Mussorgsky, creada por el japonés Isao Tomita, le encuentro grandes potenciales para transformar los “cuadros” en pantomima. Cada episodio tiene un argumento cautivante y los personajes son universales. Entonces me dedico a estudiar y buscar en Conservatorio de
Música de Milán, material pertinente. En la biblioteca encontré mucha información relacionada con cuadros-escenas que forman la pieza para piano, como diseño de vestuario, dibujos de un artista iluminado, además de muchos textos sobre las obras de Mussorgsky, compositor musical de largas óperas, como el “Boris Godunov”. Frente al espejo del estudio de danza de Leona, comienzo a crear los diversos personajes
de los cuadros de Mussorgsky en pantomima. Fue sin duda un desafío, después de años de vanguardia, de Stockhausen y Cage, usar las piezas clásicas del folclor ruso según Mussorgsky. Me facilita este drástico cambio el haber interpretado al autor a través de la versión moderna de un contemporáneo, Isao Tomita, y sus arreglos electrónicos basados en ilusiones dramáticas, narrativa y representación.

En la primavera de 1980, la fotógrafa genovesa Giuliana Traverso me propone un diálogo intenso entre su ojo fotográfico y mis capacidades expresivas, representando los diversos cuadros de Mussorgsky. Cada fotograma describe los momentos más vehementes de este encuentro y desencuentro. De nuestro primer encuentro profesional con la Traverso resultan una serie de imágenes altamente dramáticas que Giuliana apoda “Los monstruos”, por su potente impacto en el espectador. Con la Traverso sigo trabajando un largo tiempo.

En Portofino, en una casa del puerto, realizamos una serie de desnudos eróticos, me
masturbo lentamente o agito mi cuerpo, ante las dos mujeres, Giuliana y su asistenta, quienes insinúan que descubra mi pene, para poder así captar mi erección en toda su magnitud.

 

Esas fotos serían publicadas más tarde en Suiza por la Verlag Photographie, en un libro titulado Frauen Sehen Manner, material heterogéneo, de la mirada de veintidós fotógrafas, europeas y norteamericanas, sobre la sexualidad masculina. Desde mi “splash fotográfico” con la Traverso, los cuadros de Mussorgsky me habían traído fortuna. Desde Anversa, Bélgica, me invitan a grabar un video en el International
Comunication Center de la ciudad flamenca.” (Viaje del Angel, pág. 44)

Figure D’Acqua
Performance en vivo, San Remo, Italia, 1983.

Performance gestual del ritual del mar. Living Sculpture.
Música compuesta por Gerhard Holzer e interpretada por la pianista Heidi Saxer. Vestuario simbólico del mar de la artista Cesi Amoretti, inspirados en un común elemento: el mar, la lucha y el palpitar del océano. Biblioteca cívica, Manifestaciones y Turismo, San Remo, Liguria, y en la sala Quadrivium, Génoca. Público asistente: 500 personas. (Fotografía de Performance, pág. 179 - 180).

Antecedentes:

“Cesi Amoretti, una artista visual de San Remo, en las costas del Ponente de Génova, me induce a usar la “máscara del mar” que ella misma ha construido usando un armazón de alambres, una especie de coraza y ceñido corsé, para sostener equilibrada un enorme estructura de tres metros de altura. Está provista con cintas y bandas de plásticos azules y verdes, lavandas y platas flotando o agitándose en el oleaje
embravecido. Desde mis alas nacen lanzas de junco, otorgándole mayor altura y presencia escénica al atuendo marino. Uso la máscara del mar de tantos modos dejando fluir mi imaginación. Logro un triunfo con mi “martirio” corporal, agitando las miles de cintas, tiras y fajas en perpetuo movimiento. La Amoretti, Heidi Saxer y Gerhard Holzer, son tres operadores culturales que me proponen una visión particular del mar mediante la música y el arte en acción. Debo dar expresión y vida a la forma del agua en su disolverse para regenerarse en las transparencias simbólicas de la máscara.” (Viaje del Angel, pág.)

The Flag
Stills de performance sobre Chile.
Fotografías: Guiseppe Pino, Giovanna del Magro, Maurizio Buscarino y Giuliana Traverso, Italia, 1975 a 1981.

Realizada para la Gallería Diagramma de Milán en Mayo de 1975. Tour italiano del Festival dell Unitá, Milán, Génova. Chiavari y La Spezia. Verano 1976. Público: 5.000 personas.

“Trágica pantomima alrededor de la bandera chilena manchada de sangre, en que velos, cuerpo y bandera dan el impulso a un acumularse de sentimientos y reflexiones sobre una condicion humana desesperada. En esta “danza frenada” Copello logra con la inteligencia de sus gestos y la precisión de sis actitudes, transformar la terrible epopeya de un pueblo, en parábola, ejemplo, invitando a un nuevo coraje para todos”.
Adriana altamira, Milán 1976. (Fotografía de Performance, pág. 175) Fotografía Giovanna Dal Magro.

Antecedentes:

“Luciano lnga-Pin, teórico italiano del body art, no es físicamente atractivo, usa gruesos lentes ópticos que lo confieran un aire de rota de biblioteca. Es característica su tacañería por los detalles técnicos y la selección de los artistas que realizan performance y exponen en su Galería Diagramma, situada en el antiguo barrio
de Brera en el centro del Milán histórico. Mis interpretaciones de la actriz del neorrealismo Anna Magnani, conmovieron a Luciano, y decide darme a conocer en Italia, en el círculo de los entendidos de su galería, publicando mis foto registros en varias revistas de arte, y el crítico especializado Adriano Altamira escribió
un ensayo sobre mis transformaciones. (…) Las preferencias de Luciano en el campo del body art van dirigidas a los accionistas vieneses de los años sesenta, como Hermann Nitsch, Günter Brus, Rudolph Shwartzkögler. Otto Muhl y Arnulf Rainer, poseídos por un crudo misticismo a veces incomprensible, pero único en su género.” (Viaje del Angel, pág.)

“Al observar las imágenes eclécticas de mi CALENDARIO 1974, Luciano me impulsó a realizar un performance de largo aliento, ideando entonces una elaborada acción de gestualidad y movimiento, titulada EL MIMO Y LA BANDERA, basada en la memoria de los acontecimientos históricos ocurridos en Chile el 11 de septiembre. La fotógrafa Giovanna Dal Magro se encargó de registrar las principales secuencias rítmicas, actitudes y gestos precisos de mi "danza frenada", alrededor del símbolo de la bandera chilena. Una sucesión de sentimientos y reflexiones sobre una condición humana desesperada, mezclando recitación, danza y pantomima. Cobrando estas imágenes de la terrible epopeya de un pueblo, vida propia, produciendo en corto tiempo todo tipo de reacciones, fantasías y desacatos.” (Fotografía de Performance, pág. 82).

“La mirada inteligente de Giovanna Dal Magro, registró cientos de fotogramas de EL MIMO Y LA BANDERA; la carga heroica de esta trágica pantomima en torno al símbolo de la bandera chilena, inspiró a la fotógrafa. Invocar o representar este drama, al límite; extremo de la resistencia corporal, significaba abrir un diálogo más amplio, una catarsis en el fuego patrio, inmolado en los altares de vanguardias fugaces.

Un gesto de valor, que me llenó de miedo, en mi eterno deambular de hoteles/transitorio como búsqueda de la mejor opción, ajeno a la realidad de Milán, no afirmándome jamás en lo definitivo. Miedo de morir en las garras de los verdugos de un autoritario dictador, quedar mal herido a causa de la explosión de una bomba de tiempo, puesta bajo el palco por un "enviado especial". Comencé a sentir una
creciente preocupación por la suerte de mi madre, viviendo en el Hotel Crillón. Finalmente, para acallar mis temores exagerados por el inminente lanzamiento en los medios de mi performance El Mimo y la Bandera, le sugiero viajar a Europa y reunirnos en Milán, desencadenando mi llamado ‘una tragedia familiar’.” (Fotografía de Performance, pág. 84).

“Volvía a Nueva York cargando maletas repletas de disfraces. En la patria de mis padres di rienda suelta a mis inquietudes performísticas dándome a conocer con el drama “El Mimo y la Bandera”. Mis primeros performances fueron sin duda alguna, los mejores. Los más sentidos y desesperados aún tratando de vencer mis resistencias de aceptar mi rol, mi destino y mi parte en la historia del arte. Temo las represalias del
dictador. Había hecho venir a mi madre de tan lejos para tenerla a los pocos meses expirando entre mis brazos. Mi vida marcada por la tragedia del símbolo patrio. Al desnudo, ensangrentado, entre cadenas, en festivales, en tantos teatros, había sido por tres años, la Estrella de Chile.” (Viaje del Angel, pág.).

Lana
Guion: Patrizia Mónaco
Cámara: Jeff Wickland
Bailarina: Muna Tseng
Actor: Manolo Pérez
Dirigido y producido por Francisco Copello en Nueva York, 1985.

Pantomima dirigida y actuada por Francisco Copello con los textos de Patrizia Monaco y cinta de sonido con voces registradas, música de jazz y popular en los años 40 y 50 en Estados Unidos. Elenco de producción: El transformista Copello en el rol de la actriz Lana Turner, Severino Soldano es el director cinematográfico de la M.G.M. Gianfranco Greco, los diversos maridos de Lana Turner. Ivana Sajo en el rol de Cherryl, la hija de la Diva. Luca Reggio es el fotógrafo más famoso en Hollywood, Fiorella Testa es Ava Gardner, actriz amiga íntima de Lana. Federica Granata, como reportera de la revista
Confidencial, Cristina Cánepa y María D’Bianchi, son las chismosas asistentes de filmación de "El Cartero llama dos veces". Presentada en el Teatro Instabile de Génova. Verano 1983.

“Lana, all’Instabile, scandali e amori di un sex-symbol”. “En Lana Turner el eros es siempre maravillosamente culpable de la expresión de un exceso o desviación
que parece contestar las normas sociales y morales. El performance se centra en el escándalo, que es tal vez el secreto del personaje Lana Turner: innumerables maridos cambiados con las estaciones. Acusaciones de ninfomanía, tentativas de suicidio, alcoholismo… En la cumbre de su carrera “escandalosa” la relación con el gangster Johnny Stampanato, asesinado por su hija en la cocina de la Diva”.

“Cinema y Realidad, la imagen pública y la vida privada coinciden glamorosamente sobre el rostro y los sentimientos de la actriz. El Star System que produjo el "glamour" de Lana Turner acortó siempre más las distancias entre el personaje "artificial" del cine y el personaje real, parecen alcanzar su "obra maestra". La existencia excesiva de Lana rivaliza con los destinos prefabricados de sus roles cinematográficos". Marco
Salotti Génova 1983.(Fotografía de Performance, pág. 180-181).

Antecedentes:

“Pino me propone un guión visual, un acordeón de fotos, en secuencia precisa basada en la transformación, que titula EN BUSCA DE LA IDENTIDAD. El argumento era el siguiente: comenzaba la secuencia con una rubia despampanante, ataviada con un hermoso vestido negro de lentejuelas, atractivas joyas y una peluca rubia. Realizaba lentamente un strip-tease, cadencioso y estimulante, trasmutándome en un ser desnudo y neutro. Iniciando después mi metamorfosis hacia el género masculino, logrando en las últimas imágenes convertirme en un símbolo sexual. El resultado fue un éxito comercial en Ferias de Arte y eventos fotográficos de París, Basilea y Düsseldorf. Si para muchos mi ambigüedad sexual podía significar "un estigma', otros corno Pino y Colombo, lo traducen en una excelente fuerte de ingresos.”(Fotografía de
Performance, pág. 104-105).

Lana Turner, “yo vivo del amor” (1983)

“Comenzaba mi transformación en Lana Turner tres horas antes de iniciarse el espectáculo, en un ritual similar al Khatakali hindú, en el que debía merecerme cada ornamento: las pestañas postizas, el maquillaje de los ojos, los polvos multicolores, la peluca y la corona. Después de mi encarnación en símbolo sexual, también fuera de escena la reina era obedecida, huyen a mi paso los otros actores como si viesen al demonio. Con Pat Mónaco, autora del guión, preferimos mantenernos fieles al espíritu que se inclina por las confesiones escabrosas, y de Lana Turner contamos casi exclusivamente el lado privado, o sea “los hombres y el sexo”.

La columna del sonido resultó impecable, la música adecuada y el play-back de las bodas, excelente, creando la ficción de una estrella en decadencia, con una selección de sus poses más famosas, fragmento de sus actuaciones de delirio y un compendio de sus miradas asesinas, en las tres escenas con el gangster Johnny Stompanato: un maravilloso delincuente, Calles sin salidas y Encuentro con la muerte. La fauna de
Hollywood que frecuenta la diva nada tiene de auténtico, es una sublime parodia de monstruos y cómplices, míticos objetos del deseo como la actriz Ava Gadner, el tarzán Lex Barker y el latin-lover Fernando Lamas. Si Marilyn Monroe es la bella atormentada del bosque, engañada por el lobo feroz de Hollywood y por el poder del Clan Kennedy, Lana Turner es en cambio una bruja al platino, con los brazos fluctuantes en
enormes mangas de visón y su rostro inmortalizado por los productos de belleza Max Factor. En Marilyn el máximo de la inocencia coincide con el máximo del erotismo.

En Lana Turner lo erótico es siempre “culpable”, expresión de un exceso de una desviación que parece combatir las normas sociales y morales. El escándalo es tal vez el secreto del personaje Lana Turner: innumerables mandos, acusaciones de ninfomanía, tentativas de suicidio, alcoholismo... y en la cúspide de su carrera escandalosa, la relación con el gangster Johnny Stompanato, asesinado a puñaladas en su propia casa. (OKOKOKO).” (Viaje del Angel, pág. 48)

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